CatArte 06. Exposición de Arte y Vino

Sala Municipal de Exposiciones Antiguo Mercado
Del 23 de diciembre de 2011 al 29 enero de 2012










Comisarios: Miquel Guillém y Antonio Alcaraz
Coordinación: Rosalía Gil-Orozco
Organiza: Departamento de dibujo y Bodega Finca Ardal
Colaboran: Universidad Politécnica de Valencia
Facultad de Bellas Artes
Departamento de pintura
Departamento de escultura

Artistas

ANTONIO ALCARAZ
RICARD JUAN BALLESTER
ERNEST GARCíA LLEDÓ
BLANCA ROSA PASTOR
CARMEN CHINCHILLA
EDUARD IBÁÑEZ
GUILLERMO AYMERICH
EMILIO MARTíNEZ
HORAClO SILVA
JOSÉ BALLESTEROS (J B)
JAVIER CHAPA
JOSÉ MANUEL GUILLÉN
LUIS AMAND
MARíA LUISA PÉREZ
MIGUEL GUILLEM
PILAR CRESPO
RAFAEL CALDUCH
TOLA CLÉRIGUES
VICENTE ORTlZ SAUSOR
WILLY RAMOS
XIMO ALDÁS
CÉSAR VAL
MAITE MARTí NEZ
CHI-CHANG HSIEH

In vino veritas

Ximo Aldás

Lo apolíneo y lo dionisiaco han protagonizado una de las más longevas y fecundas dialécticas, también en el territorio de la estética.
Nietzsche -basándose en Shopenhauer y el "Tristan e Isolda" de Wagner- planteó que la vida y la cultura griega se mueven entre dos polos que se corresponden a dos grandes formas artísticas y, en último termino a los dos básicos modos vitales con los que iniciamos este texto.
Frente al orden y la mesura de lo apolineo se oponen el desorden y la desmesura de lo dionisiaco. No en balde, Dioniso/Baco es el dios del vino, de la viña y del delirio místico. Materia y espiritu aparecen  igualmente asociados a un único concepto. Fusión de lo distante que se encuentra en la base de todo lenguaje poético y que podemos resumir en la frase "el que es inseparable del cómo".
Sirva esta breve disgresión para introducir una propuesta inusual en nuestro entorno valenciano/mediterráneo/grecolatino. Que una bodega recurra a un afamado artista para que realice la etiqueta de alguno de sus vinos es algo relativamente extendido, incluso en España. Que una bodega requenense invite a un grupo de artistas, todos ellos profesores de la Facultad de Bellas Artes de San Carlos, para que dejen fluir su creatividad utilizando para ello el propio vino como si fuera tinta o color, es algo fuera de lo común.

Blanca Rosa Pastor

La propuesta encierra mucho de festivo, de llamada a la acción, a la participación colectiva e individualizada a la vez. Y es que, sin duda, el espiritu de Dionisos ha animado este proyecto lleno de vida y de verdad.
No queremos terminar sin felicitar a todos los que han hecho posible esta experiencia, brindamos por los artistas implicados, y muy especialmente a Bodegas Ardal ¡Enhorabuena!

Juan Bautista Peiró López

Vicerrector de Cultura

Universidad Politécnica de Valencia

Rafael Gil Salinas

Vicerrector de Cultura

Universitat de València

 CatArte

Tola Clérigues

La relación entre el vino y el arte la encontramos en muchos momentos de la historia con bellas representaciones del precioso líquido en sus mas variados cromatismos: desde el rojo brillante como el de las cerezas, hasta el colorado de parda luz, blancos verdeantes, oscuros y transparentes.
Lo han representado bajo la forma de mística esencia de consagración en los cuadros religiosos de la santa cena, en proceso de alquimica transformación en la sangre de Cristo, o como profano brebaje de los personajes de pupilas iluminadas, ebrios, de las bacanales.
Se sirve a nobles y reyes y sirve para templar las panzas de los plebeyos.
Algunas veces, inspirador etilico de secretos e intimos procesos; favorecedor de la creatividad, conocido desinhibidor y medicina del dolor.
Ahora, nosotros, en perfecto maridaje con la empresa Ardal utilizamos el vino como material, indagando la manera de aplicar el pigmentado caldo sobre el soporte y sus reacciones. Vinos de mutante colorido y fugaz vibración.
Virados cromáticos y efimeras ilusiones de la coloración. Lias pastosas, sutiles transparencias impregnadas del caractertstico olor de las bodegas.

Horacio Silva

CatArte es la experiencia colectiva vivida por un grupo de profesores de la Facultad de Bellas Artes, departamentos de Escultura, Pintura y Dibujo, en el contexto del Acuerdo Marco de Colaboración suscrito entre La Universidad Politécnica de Valencia y SAl Viña Ardal de Requena, quienes han puesto a  disposición del proyecto sus infraestructuras y mediosd humanos y técnicos, para el desarrollo de la acción: Cata para detectar los sabores del vino; a frutas dulces, áspero al paladar, con a aromas de madera,  ongos, metal. Arte como tema y medio el vino, como soporte el papel. Cada participante indagó sobre las  posibilidades de expresión cromática y formal del vino.
La conclusión la presentamos ahora en el conjunto de imágenes de esta publicación.

Miguel Ángel Guillem Romeu

Director Departamento de Dibujo

Willy Ramos

Arte y vino
La obra de arte como etiqueta.
En el año 2004 se cumplían 250 años desde que la Academia de Bellas Artes de Santa Bárbara de Valencia se fundó para reglamentar los estudios de Bellas Artes. La actual facultad de Bellas Artes de San Carlos organizó una serie de eventos culturales para conmemorar esa celebración y, entre las actividades proyectadas, el comité organizador del 250 aniversario propuso la celebración de la exposición "El arte
en las etiquetas de vino", que empecé a preparar como comisario junto a Javier Carmona dos años antes. Lamentablemente, la exposición no llegó a realizarse, pero quedaron los contactos con las bodegas y nuestro interés por difundir la relación arte y vino.
La propuesta consistía en organizar una exposición en la que quedara patente la relación establecida entre artistas plásticos y bodegas productoras de vino para diseñar etiquetas.
En la exposición se pretendía mostrar tanto la botella etiquetada como algunos de los originales utilizados para realizar las mismas.
En una entrevista realizada a Giussepe Bonarelli Schiffino, propietario de "El Catador" en La Republica Dominicana y miembro de una familia que comparte la pasión por el arte y por el vino, le preguntaron si creía que realmente existía una relación entre ambos y su respuesta fue: "De acuerdo a la definición o significado original de la palabra, arte viene de la palabra ars, que significa el producto del proceso de la aplicación efectiva de una serie de conocimientos combinados con ciertas destrezas. Como ves, la definición de arte se puede aplicar al vino, a la pintura, o a la escritura, porque sí es el proceso de aplicación efectiva de una serie de conocimientos, combinados con destreza ... pues ya ahí hay arte.
Esas manifestaciones pueden denominarse como tal; también se define como el uso de la imaginación y técnica, de la creación de objetos y experiencias que pueden compartir con los demás, cosa que también incluye al vino y a la pintura"
Son muchas las bodegas que han propuesto a artistas el diseño de sus etiquetas y que, con mejor o peor fortuna, han reproducido una obra de arte para acompañar o presentar su producto. En Chexbres, Theodor y Ulla Ahrenberg, invitaron entre 1962 y 1977, a un buen número de artistas internacionales para diseñar una etiqueta original. Entre los artistas invitados se encontraban; Christo, Tinguely, Agam y Sam Francis.
En Alemania, las bodegas Georg Breuer y Rheín Pfalz preservan en sus etiquetas la información tipográfica tradicional y dedican un generoso espacio a la imagen, que han sido realizadas por artistas como Carl Henning Pedersen, Dieter Portugall o Gerhard Hofmann. Otra forma de entender el mismo producto son las etiquetas diseñadas a finales de los años 80 y principios de los 90, con un carácter absolutamente pictórico, en el que la imagen ocupa todo el espacio y la escueta información tipográfica está integrada en la pintura y realizada de forma manuscrita. Este es el caso de las etiquetas realizadas por Ludwig Attersee para Sonnhof Grüve, Jurtschitsch (Burgenland, Langenlois).
En Italia, Vino del la Pace, ha reunido para sus etiquetas artistas relevantes del circuito internacional como: Vladimir Velikovic, Daniel Spoerri, Arman, Mimmo Rotella, Nan June Paik, Enrico Baj, etc. Destacan entre las etiquetas de vino italiano las imágenes xilográficas que recuerdan la obra de los expresionistas alemanes Die Brücke, realizadas por Alberto Manfredi en los años 80 para "La pergole torte" y planteadas como si de un grabado se tratase, con economía de colores y textos así mismo grabados en la plancha de madera.

Carmen Chinchilla

También al otro lado del Atlántico, Clos Pegase, bodega situada en Napa Valley, California, utiliza obra de reconocidos artistas que, en este caso, no fue creada para formar parte de una etiqueta. Son, por ejemplo, las imágenes de: "Un Chamarre" de Jean Dubuffet, realizada en 1943 y que ilustra la etiqueta de la serie Hommage de 1988. Igualmente fueron reproducidas obras para esta serie de Joan Miró en 1989, con la obra "mujer y pájaro" firmada en 1944 o, al año siguiente, una obra de Francis Bacon, "Still life", de 1957.

Pero, seguramente, la marca pionera en relacionar Arte y Vino, ya que ha venido trabajando regularmente con artistas y encargando obra de arte para confeccionar etiquetas de vino desde 1945, sea la prestigiosa bodega francesa Mouton Rothschild Según escribe la hija del barón, en 1924 y con solo 22 años, su padre, Philippe de Rothschild, se hace cargo de las instalaciones de Mouton, en la región de Burdeos, y toma una decisión revolucionaria para la época, embotellar en la propia bodega el vino que producían y que figura escrito en la etiqueta como "mise en bouteilles au cháteau". Ese mismo año, el barón encargó a un conocido diseñador de carteles, Jean Carlu, que creara la etiqueta original para su vino. El artista diseña una etiqueta
influenciada por el cubismo, pero en el ámbito de las artes aplicadas. Sin duda, una creación muy audaz
para su tiempo que fue utilizada durante dos años.
Entre 1927 y 1934, la etiqueta de Mouton sufre diferentes transformaciones. Y ese año aparecen en la etiqueta una especie de declaración similar a los colofones de los libros en la se especifican las cantidades correspondientes a los diferentes formatos: demi-bouteilles, bouteilles, magnums, double-magnums,  jéroboams, impériales. Todo ello autentificado con la firma del barón, como si de un grabado se tratase. En 1945, para celebrar el final de la guerra, decidió dedicar la cosecha "al año de la victoria", y encargó a un joven artista, Philippe Jullian, una composición con la letra 'V: Así nació una tradición que hoy todavía pervive, encargar las etiquetas cada año a un artista contemporáneo. En un principio, Philippe de Rothschild, recurrió a pintores cercanos o conocidos entre sus amistades: Jean Hugo, Leónor Fini, Jean Cocteau. Pero en 1955, George Braque, propone espontaneamente realizar una etiqueta para Mouton, y fue un detonante

César Val

para que en posteriores años colaboraran con la bodega un gran número de los principales artistas del arte contemporáneo como: Masson, Billón, Mathieu, Matta, Alechinskv¿ Miró, Chagall, Soulages, Hartung, Poliakoff, Balthus ... que diseñaron sus obras específica mente para la etiqueta. A los que podemos añadir las etiquetas de Kandinsky y Picasso, que presentan un caso diferente. Kandinsky, que falleció en 1944, está representado con una obra que actualmente forma parte de la colección del Centro Pompidou, por expresa autorización de Nina Kandinsky, Y en el caso de Picasso, fue su hija Paloma quien autorizó la reproducción de la celebre "Bacanal", propiedad de la Bodega.
En los años 80 se produce una gran apertura en la selección, participando artistas de Estados Unidos;
Motherwell, Andy Warhol, Steinberg, Keith Haring, así como otros de Alemania; Baselitz, Inglaterra;
Bacon, Dinamarca; Kirkeby, etc.
Resulta interesante el trato entre la Bodega y los artistas, pues se trata de una especie de acuerdo mutuo: con total libertad el artista propone y la bodega puede o no utilizar su diseño, En cualquier caso, el artista no recibe dinero, sino unas cajas de Mouton Rothschild, que incluyen la cosecha para la que diseñó su etiqueta. La bodega se queda con el original, así como apuntes y bocetos, que son conservados en expositores en la propia bodega y que han formado parte de exposiciones en diferentes museos del mundo, como la que realizó el Victoria and Albert Museum en 1985, "Mouton Rothschild - L'Art et l'Etiquette"
En España, aunque con gran tradición como productora de vinos, la idea de utilizar arte en la botella llega más tarde. En un mundo con una estética tradicional en la que la sola presencia de texto en la etiqueta, tipografías clásicas y filetes de oro parecían suficientes, fueron empresas de reconocido prestigio como Osborne o Vega Sicilia algunas de las primeras en innovar el envase o la etiqueta.
Vega Sicilia, sin duda, una de nuestras más importantes bodegas, situada en Valbuena de Duero (Valladolid), realiza desde hace tiempo etiquetas para presentar sus magnums de Vega Sicilia "Unico"
con un carácter muy clásico, que se transmite desde la propia composición tipográfica de la etiqueta, la
utilización del negro y oro y, sobre todo, la selección que hacen de las obras que aparecen en las mismas,
utilizando pinturas que posiblemente adquieran para la bodega con los derechos de reproducción de las
mismas. De esta forma podemos ver reproducidas, entre otras, obras de Ramón Gaya "El pino de Corot
y los pinceles" para la cosecha de 1968, Bejamín Palencia "Carro de Mies" para la cosecha de 1970,

Miquel Guillem

Antonio López "Rosa rosa" para la cosecha de 1980, Francisco Bores "Vase et Bouquet" para la cosecha
de 1983, etc. Las etiquetas, con un formato de 17 x 11 cm y similar composición en todas ellas, reservan
un espacio en la parte superior de 6,5 x 11 cm para la reproducción de la obra.
En los últimos años otras bodegas han apostado también por esta incorporación de la creación artística en sus etiquetas. Destacando por su implicación con el arte, Enate, que comienza su andadura en 1991 con el objetivo de elaborar vinos de máxima calidad dentro de la denominación de origen Somontano, en el alto Aragón, y inició desde su creación un ambicioso proyecto empresarial que hizo posible la vinificación de una primera añada en 1992 y la construcción simultanea de una bodega de moderna línea arquitectónica,  pionera en este sentido, en el que incluye sala de exposiciones para presentar las obras originales que vienen utilizando para sus etiquetas. Como la propia bodega defiende, desde el origen, están inseparablemente unidos al arte. Un número cada vez mayor de pintores españoles de prestigio internacional, han unido sus
creaciones a este proyecto. Nombres como Chillida, Saura, Beulas, Tapies, Brote, Victor Mira, Torrijos,
Salvador Victoria ..., firman las obras que servirán de base para el diseño de las etiquetas de Enate.


Albet i Noya, bodega familiar que lleva cuatro generaciones produciendo vino y que, en 1982, revolucionaron el panorama vitivinicola español al comenzar a elaborar vinos ecolóqicos, como manifiesta es su prioridad la elaboración de vinos de gran calidad, en conjunción con su imagen de empresa y de marca. Por esta razón, los diseños de sus etiquetas están muy cuidados, encargándose de las ilustraciones a artistas locales.

Rafael Calduc

Otras, como Agustí Torelló, la Compañía vitivinicola del Ribeiro, o Anima Negra, han realizado propuestas, en ocasiones, con gran acierto como la etiqueta de Miquel Barceló para esta última bodega balear, a la que cedió un pequeño dibujo a partir del cual se diseñó la etiqueta.

Esta relación entre artistas y bodegas, entre Arte y Vino, catalizó en nuestro caso en forma de experiencia práctica, a la que denominamos CATARTE,en la cual pretendíamos dar un paso más y, durante una cata en la Universidad Politécnica de Valencia, magistralmente dirigida por Javier Carmona, en aquel momento Presidente de la Asociación de Someliers de la Comunidad Valenciana, en la que nos ofreció una selección de vinos de diferentes partes del mundo, un grupo de artistas, profesores de la Facultad de Bellas Artes,
dibujamos con los posos que iban quedando en las copas.
Para el siguiente encuentro, CATARTE,se desplazó al entorno de la Bodega Finca Ardal en Requena y fue después de una visita guiada a sus instalaciones y la posterior cata de sus vinos, cuando los artistas pudimos expresar nuestras sensaciones en papel utilizando exclusivamente vino o materiales afines como sarmientos quemados, hojas de vid o lias (pasta que queda en el fondo de las cubas con un intenso color violaceo).

Tanto en esta experiencia como en la anterior se obtuvieron interesantes resultados, ya que aunque se trata de obras de ejecución rápida y carácter efímero, debido a la inestabilidad de los materiales utilizados, siempre queda la posible reproducción en alguna botella, como en los casos anteriormente citados, evidenciando esa larga y fértil relación entre el arte y el vino.

Antonio Alcaraz
Profesor de la UPV
Facultad de Bellas Artes
Departamento de Dibujo


Un marco incomparable.
Veinticinco artistas se reúnen en torno a un vino y a un proyecto común; trabajar con la materia prima que nos aporta la tierra y así, expresar un momento, un encuentro entre el artista, la bodega y la naturaleza.
En una mano una copa de vino, en la otra, un pincel. ..
Nuestros pigmentos son las lías propias de la bodega, lías de Cabernet, Shyrac, tempranillo y Merlot, variedades con las que se han elaborado nuestros vinos, Ocho Cuerdas y Lagar de Lar.Nuestros lápices, sarmientos quemados utilizados a modo de carboncillo. Para negros y grises, cepas quemadas, trituradas y maceradas con orujo. Los rojos, obtenidos de vino bobal, variedad autóctona de esta tierra, que previamente hemos seleccionado con diferentes puntos de tinción y por último los acres, tierras naturales sobre las que crecen la vides de la finca, tamizadas y tostadas.

Javier Chapa

Visitamos la bodega, catamos sus vinos y expresamos lo que fue una jornada en torno al vino sobre un  papel.
Se dice que el ser humano, conoció el vino antes de aprender a cultivar la vid y se expresó a través de la pintura antes que con la escritura. Catarte, es el resultado de la experiencia de la fusión del vino y el arte.

Finca Ardal, Mayo de 2006

Medalla del CONSELL VALENCIÀ DE CULTURA a Pedro Marco

El acto de entrega, presidido por Santiago Grisolía, tendrá lugar en la sede del Consell Valencià de Cultura en Valencia, calle Museo número 3, el próximo viernes día 2 de diciembre a las 18 horas.

BECA "PEDRO MARCO"

Requena. 1997-2011.

El Plenario del Consell Valencià de Cultura, reunido el 24 de octubre de 2011, a propuesta de la Comisión de las Artes y tras el visto bueno de la Comisión de Gobierno, aprobó conceder la Medalla del Consell Valencià de Cultura a Pedro Marco Martínez por su aportación al mundo del arte y en prueba de reconocimiento oficial por conceder de manera altruista, en colaboración con el Ayuntamiento de Requena y la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, becas a artistas jóvenes desde hace quince años.

Pedro Marco Martínez y su esposa Pilar Martínez Amorós siempre han sido cómplices en sus inquietudes artísticas, siempre han compartido un concepto sólido del compromiso social y ambos anidaron un gran amor a Requena, su tierra y sus gentes.

Por su compromiso con el rico patrimonio histórico de Requena, compraron una pequeña casa en la calle de la Purísima del barrio de La Villa (Declarado Conjunto Histórico Artístico) y la rehabilitaron con detalles y escrupulosidad histórica y estética. Este espacio lo disfrutaban durante las calurosas vacaciones estivales.

Por su trabajo y vocación por la enseñanza sabían que la formación era el mejor modo para poder desarrollar conceptos de renovación y de modernización en cualquier ámbito y espacio.

Por su sensibilidad por el arte testimoniaron que la gran afición paisajista de la plástica requenense se había quedado anquilosada en el pasado. Los neoimpresionistas eran los últimos aires que habían recorrido las callejuelas de la antigua Villa medieval. Por lo tanto, el fomento de la observación y creación plástica del entorno de Requena y su antigua Villa era una necesidad pendiente de actuación.

Hacía tiempo que abrigaban la ambición de conjugar estos ideales y pasiones para devolver a su pueblo una parte de lo tanto que ellos sentían que habían recibido.

Por todo ello, junto con el profesor de dibujo de la Facultad de San Carlos José Argilés, empezaron a madurar una idea que pronto se materializó en un proyecto de beca de postgrado de expresión gráfica y plástica.

Se trataba de DAR, de aportar, de facilitar... y de coordinar, sumar y agrupar recursos e iniciativas.

De aportar a Requena y a los requenenses otras maneras de ver la ciudad, de representarla, otra visión artística joven y renovada.

Se trataba de facilitar a los jóvenes artistas los medios, los recursos y el tema para desarrollar un primer trabajo.

Para llevar a buen puerto este proyecto era necesario contar y sumar al Ayuntamiento de Requena. Era en Requena en donde se tenía que desarrollar la actividad y la colaboración de su primera institución era incuestionable. Además, por su carácter público, el desarrollo de la cultura, el fomento de la igualdad de oportunidades y el fomento de la investigación, en todos los campos y en concreto de la cultura eran principios a seguir. La acogida municipal fue total y la aportación del consistorio hizo crecer el proyecto además de materializarse con una mayor divulgación y difusión a través de charlas, exposiciones y publicación de catálogos.

La Universidad Politécnica de Valencia, a través del Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes, por su dedicación a la docencia, investigación y desarrollo científico y tecnológico, interesada en colaborar con otros sectores para asegurar uno de estos fines que es la innovación y modernización, se configuró como un pilar fundamental para aportar al proyecto el asesoramiento técnico y el seguimiento de los trabajos.

Así, a iniciativa de Pedro Marco, el 28 de noviembre de 1996 el Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, el Ayuntamiento de Requena y Pedro Marco Martínez firman el primer Protocolo de Acuerdo Marco y Normas para la realización de la Beca de Postgrado de Expresión Gráfico-plástica” con estancia en La Villa antigua de Requena denominada “Beca Pedro Marco”.

            Desde el inicio se contó con la participación de la Escuela de Artes Plásticas de Requena que aportaba al becario la posibilidad de la realización de un seminario. La beca creció en estos 15 años. Al compromiso inicial de realizar una exposición de los trabajos del becario, pronto se incorporó la costumbre de realizar, los últimos días de disfrute de la beca, una tertulia en la Cueva del Cristo de La Villa con la participación del becario, de los profesores del tribunal de selección y de los aficionados locales a la plástica.

Pero, con la incorporación del Departamento de Pintura en 2006 y el Departamento de Escultura en 2010, el proyecto se amplió en ámbito plástico, en dotación económica e incluso en repercusión y convocatoria. Las propuestas de los aspirantes a becarios llegan desde todas las facultades de Bellas de Artes españolas. Además las últimas becarias que la han disfrutado proceden de Teruel, Italia, Vizcaya y México.

            Hoy la Beca Pedro Marco se ha constituido como un referente en la vida cultural de la ciudad de Requena. La convivencia del artista becario con los ciudadanos de La Villa, tanto vecinos de la casa-estudios como de los aficionados a las artes plásticas, siempre ha sido una experiencia enriquecedora humana y artísticamente para todas las partes. Incluso en algunos proyectos ha constituido la base del trabajo desarrollado.

            Una iniciativa individual privada, con el respaldo técnico de la Universidad y el apoyo institucional de la administración local, se ha constituido en un modelo de gestión capaz de diagnosticar las necesidades y sumar iniciativas para, satisfaciendo las expectativas y objetivos de cada una de las partes participantes, pero con el concurso activo y concertado de todos los órganos, conseguir sinergias en beneficio del arte y al servicio ciudadanía.

BECARIOS de la BECA PEDRO MARCO.

AÑO	BECARIO/A	ACCESIT
1997	Teresa Queralt Queralt
1998	Ana Tomás Miralles	Pablo Alabau Marqués
1999	Pablo Alabau Marqués
2000	Inés Piqueras García
2001	Círculo Pompeyano	Felipe Fuentes / Rosa Alemán
2002	Santiago Sánchez López
2003	José Tornero Sáncheis	Lucía Rueda Gascó
2004	Beatriz Pérez Saura	Greta Alfaro Yaguas
2005	Gemma Rupérez Alonso	Gloria Pandis Gallo
2006	Marina Puche Fabuel
2007	Rocio Álvarez Valera
2008	Sandra Blanca Aranda y Chiara Pignotti	Julio López Toruel
2009	Nekane Manrique Mezquita
2010	Ruth González Martínez
2011	David Fernández Sáez	Carlota Salgado Leal

JOSÉ CARLOS BONET VALLRIBERA, en la Sala Antiguo Mercado

PINTURA - OBJETO - INSTALACIÓN

José Carlos Bonet Vallribera es un pintor ibicenco que se inició en la pintura de la mano de Carlos Coronas, mientras estudiaba Diseño de Interiorismo en 1992, y dicen reconocer en su obra los colores y la luz del también artista pitiuso Vicent Calbet y la influencia de su tío, Josep Vallribera, al que debe el gusto por el gesto.

Después de una pausa creativa, en 2007 Bonet Vallribera vuelve con fuerza al panorama artístico con importantes exposiciones, tanto dentro como fuera de su isla natal, y esperanzadores proyectos en Munich y Barcelona.

El artista se siente cómodo navegando entre el constructivismo y el expresionismo. Entre las formas geométricas y las líneas de color de diferentes texturas y anchuras. En su obra la terca permanencia de lo ortogonal, el ángulo recto, lo vertical y lo horizontal, buscan en el color y el gesto moderarse y dar sensación de espontaneidad e incluso aproximarse a lo impulsivo y orgánico. La simplicidad minimalista se alía con las manchas de color en una exaltación expresiva que llena la obra de fuerza y rotundidad.

En este transitar entre la reflexión y la espontaneidad, Bonet Vallribera desarrolla su creatividad buscando e investigando entre materiales nuevos y viejos y formatos grandes y pequeños, en una permanente insatisfacción metódica y motivadora que lo acerca a nuevos caminos y lenguajes artísticos.

Así, en sus cuadros, en donde predominaba el collage con recortes de periódicos y cartones, los pigmentos, los barnices teñidos y las acuarelas tratadas, aparecen en su última exposición el metacrilato, los vinilos adhesivos, la luz fluorescente, el cartón pluma y los acrílicos, en cuadros/objeto que él llama cajas de luz.

Este otoño vendimial requenense se inaugura artísticamente con la presentación de los últimos trabajos de Bonet Vallribera, una cita en donde los juegos de luces, la profundidad, los colores y el gesto, la geometría y las texturas volverán a tomar el protagonismo de una obra siempre sorprendente que, con una inagotable energía creativa, destila la pura esencia del arte.

José A. Jesús-María

Director Técnico

Museo de Arte Contemporáneo

Florencio de la Fuente de Requena.

Bonet Vallribera es un pintor doblemente experimental, como demuestra por un lado su
itinerario creativo, en constante devenir. Si rastreamos su desarrollo pictórico nos
encontramos con una constante evolución que se manifiesta en una incesante búsqueda de materiales, un conocimiento cada vez más profundo de los valores plásticos y una
amplitud gradual en la utilización de técnicas artísticas puesto que grabados, esculturas
y pinturas nutren sus exposiciones. Estas cualidades de compromiso con el arte y con su propio lenguaje conjuntamente pocas veces se articulan en un solo artista.
Pero, por otro lado, en su proceso creativo, también observamos la experimentación,
son obras que se muestran oscilantes entre el orden y el caos, “entre el gesto irregular y el racionalismo geométrico, entre la libertad de acción y la medida ordenada” en palabras de la crítica C.Oliver. A este respecto podemos matizar con lo que Edgar Wind explicaba en su Arte y Anarquía, sobre el arte contemporáneo donde “la inventiva es un fin en sí mismo” se nos señala que la palabra “experimento” pertenece al vocabulario del laboratorio, pero no como los antiguos artistas entendían de química para hacer sus colores o de matemáticas para aplicar la perspectiva o los volúmenes, sino en un sentido más amplio que le confiere al arte la razón de su existir dentro de si.
Y es en este sentido en el que esta nueva exposición el “experimento” ha sido transferido al estudio del artista más que nunca, Bonet Vallribera actúa en su estudio como si estuviera en un laboratorio, y elementos extraños al oficio del pintor emergen: la energía eléctrica, la cristalografía, materiales nuevos como el vinilo o el metacrilato sin renunciar a los materiales nobles por ello o al gesto del pincel, pero sobre todo, como un prestidigitador experimentado, confundiendo y rescatando, duplicando y dividiendo, incluyendo y excluyendo, gracias a esta inventiva artística.

Para desarrollar esta capacidad arrebatadora de armonizar contrarios, de creación de espacios consciente, de definición de colores, para estimular la capacidad de sorpresa del espectador, parte Bonet Vallribera de las abstracciones del Siglo XX, toma de cada una de ellas rasgos esenciales y definitivos, del Suprematismo, del grupo De Stijl, del Expresionismo Abstracto Norteamericano, del Minimal Art … capta la geometría, el color, la luz, la planitud, las franjas, la emoción y la espiritualidad y experimenta con lo fundamental de estos lenguajes, para trascenderlos contemporáneamente a través de la convivencia y la simultaneidad.
Su energía creativa ha encontrado el efecto de transformar los hábitos perceptivos del espectador en la medida que crea espacios donde el reflejo es fundamental, donde las sombras completan la presencia de los colores, crea zonas irreales, fusiona formas, contagia colores, proyecta oscuridades e ilumina áreas, realizando una gran falla con respecto a su trabajo anterior, del cual procede, pero que le lleva a esta nueva inmensidad expresiva. En la confusión de los sentidos, en el contagio de cualidades, la magia aparece porque pinta sin colores, esculpe sin volúmenes, ilumina internamente con electricidad. Elimina las diferencias del plano de la realidad y de lo ficticio al borrar los límites físicos y al subrayar la esencialidad de los materiales y de la luz. Pura experimentación.

En las proyecciones de luces y sombras, desde la acumulación de bastidores y cables, en la
prolongación de los colores, desde los sutiles homenajes a la dimensión espiritual o los recovecos de la reflexión, en la presencia absoluta y fundamental de la geometría y con la evocación de la obra inmaterial o inacabada. El pasado y el presente de la abstracción se revitalizan.
Simultáneamente desaparecen las fronteras entre las disciplinas artísticas. La clasificación clásica de las artes se diluye. La pintura, la escultura y la arquitectura se funden, desaparecen los espacios definidos para cada una de ellas, los atributos clásicos se mezclan, de este modo sus cuadros no son bidimensionales: las sombras y los reflejos pertenecen a su definición, las geometrías se agudizan, las colores se iluminan, las sombras surgen esenciales, es como si sus cuadros anhelaran salirse “del marco”, de los convencionalismos; sus esculturas nos son tridimensionales, la luz y el reflejo, la geometría y la duplicidad, ofrecen una visión volumétrica y global, la escultura se magnifica, donde los soportes desaparecen y la ingravidez participa de su esencia y la arquitectura ya no es el espacio que acoge, de continente pasa a ser contenido. Dotando a la pintura de una cualidad objetual, a la escultura una cualidad pictórica y definitivamente, a la arquitectura le concede una cualidad plástica. La integración del experimento.

Nuria del Río Pinto
Suficiencia investigadora en Historia del Arte. 
Universidad de Granada

DAVID FERNÁNDEZ SÁEZ. Beca Pedro Marco 2011

IDENTIDAD Y MEMORIA. 

 

La infección y contagio de identidades, divide y multiplica a su antojo, abre la cadena para luego estrangularla en una única identidad: en la del abstracto pensador, aturdidos ante la imposibilidad de estancarnos en una sola personalidad,  dándonos cuenta que somos de todo y de nada simultáneamente, que lo que nos rodea, esas afecciones, tienen nombre y rostro en nuestra cabeza, pero no las podemos ver con claridad.

 De lo terrenal e intrascendental a lo efímero y constante, del dulce tacto al sonido borroso de olores aparentemente olvidados. Sentidos opuestos que nos llevan a recuerdos comprometidos con su forma natural y otros que por su nitidez sesean como serpientes en la memoria, confundiendo y definiendo al unísono.

 Una compleja arca donde guardamos todos los rostros e identidades que queremos salvar del tortuoso naufragio memorial en las costas del impetuoso paso del tiempo. Un lugar desprovisto de espacio real, donde a su vez entran miles de miradas distintas sobre un mismo esquema, de las cuales nubladamente rescatamos alguna de vez en cuando. 

 Es la memoria como un edificio infinito, que recorremos de arriba a bajo buscando conexiones indescifrables para nuestro yo racional, sentándonos exhaustos de tanto en tanto en el umbral de lo onírico para recapacitar acerca de lo que una vez quisimos encontrar y ahora tenemos enfrente.

 David Fernández Sáez.

PILAR RAMOS. Pintora de Requena

Currículum de Pilar Ramos

Formación Académica

• Escuela de Artes Plásticas de Requena,

Profesorado de la Universidad Politécnica de Valencia.

Directo Antonio Sienra Lizcano, Alberto Facundo, Carlos Pérez, Ximo Aldas,

Enrique Tormo, Carmen Chinchilla, Vicente Barón, Inés Piquera, etc

Asociaciones a las que pertenece

• Círculo de Bellas Artes de Valencia.

• Círculo Artístico de Requena.

• Asociación difusora de las artes Valencia.

Exposiciones Individuales

• Feria de Artesanía de Talavera de la Reina.

• Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Requena.

• Sala de Exposiciones del Ayuntamiento Utiel.

• Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Torrejón el Rubio.

• Museo Etnológico de Olivenza.

• Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Cañaveral.

• Exposición de fotografía,Círculo Artístico Requenense.

 

Exposiciones colectivas

• Colectiva Círculo de Bellas Artes de Valencia.

• Agentes Comerciales. Medio Ambiente Valencia.

• Círculo Artístico Requenense.

• Escuela de Artes Plásticas de Requena.

• Centro Comercial Nuevo Centro de Valencia.

• Bodegas de Pedro Moreno de Requena.

• Consellería Agricultura y Medio Ambiente de Valencia.

• Sala de exposiciones Villarta Cuenca.

• Crismas Círculo de Bellas Artes de Valencia.

• Maratón 24 horas del Círculo de Bellas Artes de Valencia.

• Galería Asociación Difusora de las Artes de Valencia.

Premios o Distinciones

• Concurso tarjetas navídeñas.

• Cristo Lienzo de la Verónica en 1999-2002-2005-2009.

• Seleccionada en certamen Agricultura y Medio Ambiente 2005-2006 Valencica

• Seleccionada Certamen Nacional de Pintura Víllarta. Cuenca 2005-2006.

• Seleccionada Agentes Comerciales de Valencia.

• 1º premio XXIX Concurso de Artes Plásticas Nuevo Centro Valencia.

Monitora de pintura Escuela Formación de Adultos

EXPLOSIÓN DE COLOR. Exposición de Pilar Ramos

Cuando no podamos…

añoraremos lo cotidiano.

Lo cotidiano constituye la esencia que nos conforma.

La sensibilidad nace y se desarrolla en el permanente ejercicio de revisión de lo que abarcamos, sin esa conquista ir más allá resulta baldío y grandilocuente.

Las artes plásticas disponen de un género artístico que atiende este trato con lo cotidiano… es el bodegón ó en su acepción francesa la naturaleza muerta. Particularmente idóneo en los estadios formativos, no se resigna a esa misión, constituyendo un tema habitual en el itinerario del artista plástico… cuando no se erige en el único, como en el caso del maestro Morandi.

Discernir entre lo funcional y lo estético

Sublimar los objetos que nos sirven supone utilizar el lenguaje de las Formas y si se dispone de la formación, medios y recursos materializar el instante y ofrecerlo a los demás.

Es el caso que nos ocupa:

Pilar, (de dilatada experiencia) mediante el acto de generosidad que toda exposición supone, nos muestra ya su íntimo universo de Formas, en óptima disposición para que con verosimilitud puedan evocarnos sus vivencias atrapadas en sentimientos desbordantes. 

José Antonio Sienra Lizcano

Facultad de Bellas Artes de Valencia

Director de la Escuela de Artes Plásticas de Requena

TRIADAS . De Suso Camuñas.

Próxima muestra en el 
MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO "FLORENCIO DE LA FUENTE" DE REQUENA

Empresario de profesión y artista por vocación, Suso Camuñas ha adoptado un estilo que se podría definir como pintura intuitiva. A lo largo de más de treinta años, este artista ha trabajado casi todas las vanguardias artísticas hasta llegar a encontrar de una manera natural su estilo particular.
Inspirado por el mundo que le rodea, Camuñas encuentra en la pintura una manera de evadirse de la realidad, encontrando en el día a día la inspiración y temática de su obra. Consigue, pues, la manera denunciar todo aquello que no pueden expresar las palabras.

CROMÁTICOS.
Un paso más allá de las obras abstractas, cromáticos es una serie que lleva el poder del gesto hasta la última consecuencia. Con reminiscencias de la tradición caligráfica japonesa, los trazos minimalistas de esta serie tienen el poder de transportar nuestra imaginación.
El color y la materia quedan supeditados a un gesto fortuito que condicionarà el resultado. El color de estos acrílicos es un misterio que se desvela una vez que el cuadro está acabado ya que se mezcla directamente sobre el papel en la misma aplicación, escapando al control del artista, es el azar quien crea.


FLORS D'ESTELS
Miles de años después de que el hombre fijara su mirada en el firmamento en busca de pistas sobre el futuro, Suso Camuñas nos descubre una nueva constelación cromática. Flors d’Estel es una muestra de cómo los astros han evolucionado en la mente del artista hasta convertirse en bellas flores estelares que nos deslumbran con su luz y sus destellos metalizados, alejándose de las tradicio-nales representaciones, mezclando conceptos y dando lugar a una nueva especie, o a una nueva galaxia, que sólo podremos disfrutar en su obra donde, con una sola mirada, nos acercaremos al cielo más terrenal creado jamás.

PATERAS
Dentro el paisaje nocturno sólo dos cosas interrum-pen la oscuridad: la blanca luz de la luna y el reflejo de la madera de una vieja patera en el horizonte. La noche es tan negra como la desesperación de unas personas obligadas al exilio. La travesía es larga y agotadora, y saben que muchos no llegarán a la Ítaca soñada.
Suso Camuñas representa esta angustia y soledad a través de la insignificancia de unas barcas agrietadas, casi como la luna que los observa como único testigo. La noche, en cambio, es densa y con textura, y sus límites se expanden más allá de las profundidades marinas.
En la paleta, pues, sólo dos colores: blanco y negro. Los colores del paisaje, pero también los colores de la piel. Entre estos dos tonos hay una distancia más allá de la meramente geográfica. Una distancia que a veces se convierte en un abismo.